El misterio de Soho (Last Night in Soho) – Reseña

Inicialmente, pensamos usar la frase “el lado oscuro de los años sesenta” como subtítulo para esta reseña de El misterio de Soho, la nueva película de Edgar Wright. Sin embargo, nos dimos cuenta que esa descripción podría resultar engañosa. Los horrores que nos muestra esta obra no están limitados a esa década, pues siguen presentes hoy en día.

Igual que otras películas del mismo director, especialmente Una noche en el fin del mundo y Baby Driver, esta es una obra que critica fuertemente la nostalgia. En nuestra admiración del pasado, muchas veces somos ciegos ante sus aspectos más negativos. Eso puede afectar la forma en la que vemos el presente. Eloise, el personaje principal de este filme, aprende esa lección de una forma muy cruel.

Soho es una zona de Londres, famosa por sus restaurantes, pubs y clubes nocturnos. Esta área de entretenimiento es tan popular como infame debido a su historia relacionada con el crimen y la prostitución. Eloise llega a este lugar con ojos brillantes y llena de sueños inocentes de convertirse en una gran diseñadora de modas, pero la realidad la golpea con fuerza por culpa del acoso sexual y el bullying. 

Pero El misterio de Soho no es una simple película dramática. Eloise encuentra su escape en las noches, cuando sus sueños la llevan en un viaje a través del tiempo a mediados de los años sesenta para experimentar la vida de Sandy. Ella es una bella y sofisticada aspirante a cantante que, igual que la protagonista, chocará con la horrible realidad cuando trate de hacer realidad sus fantasías.

Los fanáticos del estilo usual de Edgar Wright —lleno de cortes creativos, referencias y mucho humor— se van a encontrar con algo muy diferente. El misterio de Soho es una obra de horror y fantasía, pero su base es una realidad muy cruda que —al menos hasta su tercer acto— es tratada con seriedad. Tiene temas de acoso y abuso sexual, manipulación emocional y enfermedades mentales.

A simple vista, uno podría renegar de que temas tan importantes sean presentados por un hombre. Pero detrás del guion también se encuentra la talentosa escritora Krysty Wilson-Cairns (1917). A ella se debe que las escenas sobre el sufrimiento femenino sean tan impactantes. Esto es un reflejo de una horrible realidad que era tan cierta en los sesenta como lo es hoy.

En el desarrollo del filme se puede notar la influencia de las revelaciones de #MeToo, cuando miles de mujeres hablaron sobre el abuso, acoso e indiferencia del que son víctimas en sus lugares de trabajo. Los horribles actos de personas como Harvey Weinstein, que ponían asquerosas condiciones a las actrices que querían ser famosas, están plasmadas en la historia de Sandy. Los ‘fantasmas’ de lo que vivió acechan a Eloise, literal y metafóricamente, sesenta años después.

No todos los elementos comunes en los trabajos de este director están ausentes. Su uso de la música para marcar el ritmo de la acción sigue presente y funciona mejor que nunca. El misterio de Soho usa a la perfección grandes canciones de los años sesenta como Wishin’ and Hoping, de Dusty Springfield; Got my mind set on you, de James Ray; y There’s a Ghost in my house, de R. Dean Tayler. Inicialmente representan las esperanzas y sueños de las protagonistas, pero pasan a ser terribles presagios de lo que vendrá. Finalmente se convierten en irónicos contrastes del horror que ocurre en pantalla.

De hecho, la película cambia de género con cada acto. Comienza como un drama juvenil, pasa a ser un ‘thriller’ psicológico y termina convertida en una película de horror. Además, es visualmente espectacular. Las escenas en los años sesenta están llenas de colores vivos y un fantástico diseño de vestuario que representa tanto el lujo como la decadencia de esa década. Las secuencias oníricas usan los espejos y reflejos de formas bastante originales y están bañadas de azules y rojos que recuerdan la era del Technicolor, específicamente, a las películas de terror y ‘giallo’ italianas.

La influencia de estas cintas llenas de muertes, erotismo y un refinado estilo visual es clave a la hora de hacer un análisis de El misterio de Soho. Es curioso que este no es el único filme reciente que toma elementos de este género, pues Maligno hace cosas similares mediante su fotografía. El tono de la película remite a los clásicos de Dario Argento —como Suspiria y El pájaro de las plumas de cristal— y Mario Bava —como Blood and Black Lace (6 donne per l’assassino)—. También hay mucho aquí de Repulsión, de Roman Polanski.

Pero esta influencia también es la fuente de los más grandes defectos de este filme. Su tercer acto adopta el estilo ‘explotativo’ de esas películas sesenteras sin vergüenza alguna ni una cuidada reflexión de la gravedad de los temas que trata. La protagonista pierde casi completamente su agencia. El enfoque pasa a la violencia, los giros en la trama y llegamos a un epílogo que deja varios cabos sueltos.

Esta forma de terminar la historia lastima un poco sus temas, pero de todos modos resulta emocionante y sorprendente. La moraleja se mantiene: es ridículo fetichizar una época pasada que era tan corrupta como el presente.

La perspectiva que toma hace que esta historia de “horror femenino” sea realmente fuerte. Incluso logra que los hombres se retuerzan de incomodidad al reconocer la amenaza que pueden llegar a representar para las mujeres. 

Esa fuerza de esta historia no se debe solo al guion, sino al enorme talento de las dos coprotagonistas. Thomasin McKenzie (Jojo Rabbit), y la gran Anya Taylor-Joy (La Bruja, Gambito de Dama) nos convencen completamente con arcos de personaje en los que pierden la ilusión y la inocencia mientras tratan de apegarse con fuerza a sus sueños. A pesar de sus personalidades diferentes, el paralelo que se hace entre ambas a través de los sueños, espejos y trucos de fotografía es fantástico. Ayuda a entender los dilemas que siguen enfrentando las mujeres a pesar de todos los años que han pasado.

El misterio de Soho es una excelente película que definitivamente resalta por su espectacularidad visual. Las actuaciones son increíbles, la música es utilizada a la perfección y es imposible no sentir empatía por sus protagonistas. Es una lástima que flaquee un poco manejando sus temas cuando se acerca el final, pero no es un problema tan grave.

Además, la escena en la que el personaje de Anya Taylor-Joy interpreta Downtown, de Petula Clark, ‘a capella’, va a pasar a la historia. Su voz es hermosa.